▲瑪莎·瓊沃斯，《猿猴》，2021年，布面紙本油畫

于“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場，龍美術館

?Martha Jungwirth，攝影：Shaunley

圖片來源：Thaddaeus Ropac畫廊

2月1日至4月13日，奧地利國寶級藝術家瑪莎·瓊沃斯在中國的首次個展在龍美術館開幕。此次展覽的21幅畫作呈現了這位85歲的維也納藝術家近幾年的標志性創作，包括受藝術史和社會事件啟發的兩大系列。

在龍美術館（西岸館）的清水混凝土墻上，承托著瑪莎·瓊沃斯（Martha Jungwirth）的大幅畫作，營造出一種原始而富有觸感的氛圍。

她的畫作往往在大開幅的老舊紙板上展開，無數新鮮的筆觸痕跡攫住觀眾的注意力，粗糲與流動并存，乍看似乎隨機而混亂，卻滿溢生機。

展覽的起點是藝術家格外重視的作品《猿猴》。它被置于入口——邀請我們以此進入她的繪畫語言。

《猿猴》像是一張直覺式的速寫，書法般頓挫的紫色筆觸成功捕捉了猿猴疾速前行的動態。以具象事物為起點，瑪莎似乎在做減法，逐筆剝離可辨識的線索，直到事物化為純粹的感知痕跡，與畫布上的大量留白相平衡。

▲ 瑪莎·瓊沃斯，《阿塔蘭忒與希波墨涅斯二（致敬圭多·雷尼）》

2023年，布面紙本油畫

?Martha Jungwirth，攝影：Ulrich Ghezzi

圖片來源：Thaddaeus Ropac畫廊

在1988年的宣言詩《我內心的猿猴》中，她自述創作方法：“回到舊大腦，回到感覺運動，回到口語之前，回到知覺之前，回到記憶之前，回到物體的突兀之前，回到歐幾里得之前，其中直線在消失點相交，繪畫時不思考。”她的創作不為敘事服務，而是捕捉純粹的直覺流動。

實在的象與感知的象之間，哪一種更真實？瑪莎筆下的真實，并非事物的輪廓，而是感知中的運動和痕跡。

▲圭多·雷尼，《阿塔蘭忒和希波墨涅斯》

約1618—1619年，布面油畫，馬德里普拉多博物館藏

圖片來源：wikipedia

在龍美術館二層，《阿塔蘭忒與希波墨涅斯二（致敬圭多·雷尼）》這幅作品中，瑪莎·瓊沃斯以意大利巴洛克畫家圭多·雷尼（Guido Reni，1575—1642）的作品為觸發點，重構了古希臘神祇希波墨涅斯丟下金蘋果誘惑阿塔蘭忒彎腰撿拾，從而讓這位善于疾走的女神輸掉競速比賽的瞬間。瑪莎用以松節油稀釋的紅顏料薄薄涂抹，再以旋轉的筆刷勾勒出一只蘋果的滾動。

于是，蘋果在空中躍過并接近地面的短暫時空片段，被凝結于一個畫面。這才是我們真正“看見”的——一個運動中的形象，而非凝固的片段。當一只蘋果掉落，在我們的視野中，它就是一團模糊而迅疾的紅色影子，邊緣露出一絲高光。瑪莎的筆觸釋放出鮮活、原始的氣息，使畫面擺脫不容置疑的敘事，讓我們得以一起站在藝術家所描述的“僵硬、束縛的現實”的解放對立面。

▲瑪莎·瓊沃斯

《無題：來自“弗朗西斯科·戈雅：羊頭和肋骨靜物”》系列

2023年，布面紙本油畫，于“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場， 龍美術館

?Martha Jungwirth，攝影：Shaunley

圖片來源：Thaddaeus Ropac畫廊

西班牙畫家弗朗西斯科·戈雅（Francisco Goya，1746—1828年）是瑪莎最愛的藝術家之一。

在“藝術史”系列中，她回應了戈雅的《羊頭和肋骨靜物》。這三幅畫作占據著龍美術館最高曠的空間，漸進式地再現了對一塊鮮宰肉的長時間凝視。在瑪莎的筆觸中，具象的肌理逐步剝離，直至提純為無法再削減的符號，最終以極簡的手勢呼應戈雅對生存與死亡境遇的思考。這三副作品是深入瑪莎創作語言的關鍵。

展覽的末尾是受社會新聞啟發的《魯比馬爾號》系列畫作，記錄了魯比馬爾號在紅海被擊沉的時刻。畫作中，似乎船身一半已傾斜入海，海水翻涌，又似乎油污蔓延，逐漸浸透海域。

▲瑪莎·瓊沃斯，《魯比馬爾號》系列

2024年，布面紙本油畫

于“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場，龍美術館

?Martha Jungwirth，攝影：Shaunley

圖片來源：Thaddaeus Ropac畫廊

然而，放棄下意識的圖像闡釋，噴薄而出的不安與驚惶更為強烈。畫面中的顏料痕跡極為豐富，簡直由任何可抓取的事物構成，或許藝術家通過畫紙上的身體經驗，模擬了沉船瞬間試圖抓取任何可能性的絕望。在現實擬像的“魔力”逐漸消退，集體敘事反復失效的當下，我們或許渴求一種潛入個體經驗與感知的語言。

▲瑪莎·瓊沃斯，《魯比馬爾號》系列，2024年，布面紙本油畫

于“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場，龍美術館（西岸館）上海

?Martha Jungwirth，攝影：Shaunley

圖片來源：Thaddaeus Ropac畫廊

我們的感知，如心靈地殼下的暗流，推動著思維和情感的走向，又在語言和概念形成之前狡黠地退場。為這一晦暗不明的共同境遇找到表達方式，是瑪莎持續了半個多世紀的探索方向。她精力充沛地關注周遭發生的事件，從家用電器、身邊的朋友、旅行風景，到社會新聞、藝術史皆可成為題材。紙和顏料構造的物理空間，是她精微的感知場，因而她將自己的畫作描述為“日記本或地震儀”。

▲瑪莎·瓊沃斯在工作室，2024年

攝影：Markus Huber

她用身體經驗去繪畫，使畫布成為感知的記錄，而非視覺的復制。如果筆下的顏料塊能與情感節奏同步遞進，那就是最佳狀態。于是也可想象，她對繪畫材料流動性的追求。從早年的水彩、記賬簿，到稀釋的油彩與手工裁切的包裝卡紙，她毫無偏見地使用各類材料，以尋找顏料斑點與畫布之間的流動感與自發性。

這正是瑪莎的核心探索——在感官知覺、繪畫材料與身體經驗的開放性中，觸達了一種充滿生命力的畫面，繪畫不是敘述，而是記憶、直覺、震顫的回聲。瑪莎的藝術實踐，也讓藝術家與所繪對象及觀者之間的親密互動成為可能。

到達工作室后，我首先會換上工作服。接著，如果前一天沒有清洗筆刷，我會先處理我的筆刷。某些日子，我作畫的速度很快，顏料斑點迅速在畫布上鋪展開來。

▲瑪莎·瓊沃斯的工作室

?Martha Jungwirth，攝影：Shawn Dell

圖片來源：Thaddaeus Ropac gallery

而在另一些日子，我可能會站在畫前，凝視最后一筆留下的痕跡，等待下一筆的出現。——瑪莎·瓊沃斯（Martha Jungwirth）

我們發現這次龍美術館（西岸館）的個展現場并未使用作品標簽，你能談談做出這一決定的想法嗎？

我真的不喜歡作品標簽，我更喜歡一覽無余地欣賞作品。如果你愿意，可以在入口處提供的作品列表中閱讀標題和尺寸。

▲“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場，攝影：shaunley

?Martha Jungwirth，圖片來源：龍美術館

你如何為這次個展挑選作品？其中是否有特別希望觀眾聚焦的作品？

此次展覽的作品選自我近年來幾個重要系列，其中部分作品曾在其他機構展出，而另一些則從未公開展示。

這些作品涵蓋了多個創作主題——有些源自藝術史（如戈雅、馬奈、德加、雷尼）的作品，有些受時事啟發，比如魯比馬爾號（MV Rubymar）在紅海沉沒的事件，這一靈感來源于我在日報上看到的一張新聞照片。還有一部分作品與古希臘神話相關，如這次在龍美術館（西岸館）展出的《奧德賽》，是我長期以來反復描繪的重要母題。其他的作品則承載著我的個人經歷和情感。

在你的作品中，某些形態像是記憶中的碎片，卻從不被完整敘述。對你來說，這種模糊的狀態是否比明確的圖像更具吸引力？

我總是從某個主題出發，但現實對我來說只是一個托辭。我通過繪畫來轉化現實，一切始于我眼前所見。對我而言，最重要的是情感本身，以及繪畫過程中發生的一切。我希望展現當我看到某些東西時，我的內心會發生怎樣的變化，展現某個事物激發的情緒，并將其轉化為畫面上的印記。觀眾或許能辨識出某些具體形象，也可能無法確定，但這些作品所傳達的情感是普遍性的。

▲瑪莎·瓊沃斯的工作室

?Martha Jungwirth，攝影：Shawn Dell

圖片來源：Thaddaeus Ropac gallery

日常生活中的記憶在你的創作中扮演著重要角色。你平常會收集一些小物件嗎？這些物品是否會成為靈感來源？

我們與某些物品形成關系，就像人與人、人與風景之間的聯系一樣，這種關系影響了我對主題的選擇。但我感興趣的不是再現物品本身，而是更關注它們所激發的情感。我的繪畫就像一本日記，記錄著我的情感和經歷。當我在情感的驅使下作畫，形象和結構便會在畫布上自然而然地浮現。

▲“瑪莎·瓊沃斯”展覽現場，攝影：shaunley

?Martha Jungwirth，圖片來源：龍美術館

在你的藝術生涯中，性別是否曾影響過你在藝術世界中的處境？

我從未考慮過性別問題，也未曾思考它是否會影響我的藝術生涯。對我而言，作品才是最重要的，正是它們為我帶來了機會。我始終專注于繪畫，而不會去想可能存在的障礙。

當代藝術的語境中，數字媒介越來越普及，但你的創作始終保持一種手感強烈、與材料直接互動的特質。你認為繪畫不可替代的價值是什么？

在我看來，繪畫就是一種屬于身體的語言，一種有節奏的律動，它也是我情感與體驗的記錄。我所使用的材料同樣至關重要。自職業生涯初期以來，紙張一直是我最鐘愛的媒介，其獨特的觸感和質地是數字媒介無法取代的。

以上僅代表個人觀點

原文刊載于《收藏/拍賣》2025年春季刊

作者：王丹薇

畢業于英國萊斯特大學藝術博物館學專業

博物館行業從業者和撰稿人

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