如果只能選擇五部動畫電影傳世，我會毫不猶豫地選這五部：

《白雪公主》、 《鐵扇公主》、 《大鬧天宮》、 《瘋狂動物城》、 《大圣歸來》。

這五部動畫片像是五種不同時代的聲音，從“動畫能不能賺錢”到“動畫能不能傳道”，再到“動畫能不能講好一個現代的中國故事”。

每一部的價值，都不止于它的精彩故事，而在于它代表了一個轉折點。

第一部，《白雪公主》（1937）

如果只能留下一部動畫作為行業起點，只能是《白雪公主》。

它是世界上第一部動畫長片，也是迪士尼孤注一擲的豪賭：四年時間、七百人團隊、150萬美元的投入，換來1400萬美元票房以及一座具有世界影響力的動畫工廠。

從此，動畫成為一門真正的工業，也成為全球娛樂帝國的起點。

此外，《白雪公主》第一次建立了動畫長片的完整范式：角色成長、敘事節奏、配樂配色，全部環環相扣，今天我們熟悉的動畫片“標準模板”，基本都源于它。

故事耳熟能詳，細節也很精彩。

比如里卡爾多·法爾奇內奇《圖像》中分析過《白雪公主》的空間設計：善良角色總是從左向右行動（王子、小矮人），邪惡勢力則反向出現。女巫遞出毒蘋果那一幕，公主在左，巫婆在右，暗暗形成一個“反向的圣母領報”——不是帶來救贖的天使，而是帶來死亡的魔女。這種空間語言，其實沿襲了伊麗莎白時代戲劇和19世紀芭蕾舞臺的傳統。

此外，白雪公主被流放依舊穿藍裙子，這是她作為公主的特權。原因是自從文藝復興以來的幾百年間，藍色是最昂貴的顏料。

藍黃配曾風靡一時，是浪漫主義的制服。《白雪公主》中也有藍黃配。

話說回來，1939年，《白雪公主》在上海上映，轟動一時。正是這部作品，讓中國電影人意識到：原來動畫也能賺錢、能講故事、能登大雅之堂——三年后，《鐵扇公主》就誕生了。

第二部，《鐵扇公主》（1941）

事實上，萬氏兄弟最初籌拍的《鐵扇公主》，他們更想拍《大鬧天宮》。不巧的是，正趕上物價飛漲，膠片洗印的利潤遠比做動畫來得快，投資方臨時撤資，項目被迫擱置。

萬氏兄弟轉投《鐵扇公主》，用了整整三年，硬是在上海做出亞洲歷史上的第一部長篇動畫。

這部片不僅是技術上的奇跡，更是立場上的宣言。彼時中國戰火紛飛，萬氏兄弟拒絕拍米老鼠式的娛樂片，堅持要讓動畫文以載道。他們將抗戰精神包裹進神話故事，用孫悟空斗牛魔王暗喻現實中的抗日斗爭。

萬籟鳴后來坦言：中國沒有時間開玩笑，動畫必須承擔喚醒民眾的功能。這種“文以載道”的思路，幾乎奠定了之后幾十年中國動畫的主旋律，也為后來“娛樂優先”型國漫的出現，提供了一個對照坐標。

但即使帶著強烈的教化色彩，《鐵扇公主》也不失創意和趣味。比如片頭八戒熱得拿下耳朵當扇子扇，鐵扇公主刮風那一場，連屋頂的貓都被吹禿了。這些細節，哪怕今天看，也依然讓人忍俊不禁。

影片上映后在東南亞、日本引起轟動。它不僅讓中國動畫登上國際舞臺，還影響了年輕的手冢治蟲。他看完《鐵扇公主》后放棄學醫，投身動畫，幾十年后成為“日本動畫之神”。

在技術上，《鐵扇公主》有不少短板，鏡頭抖動、線條不穩、剪輯粗糙，但瑕不掩瑜。在那樣的時代，這樣的作品已堪稱壯舉。

它讓中國動畫不只是“我們能畫”，而是“我們有話要說”。

第三部，《大鬧天宮》（1961-1964）

如果說《鐵扇公主》是奠基石，那《大鬧天宮》就是中國動畫的登峰造極。

這部作品匯聚了當時全國最頂尖的動畫人才，由剛成立不久的上海美術電影制片廠傾盡全部資源打造。

在物資極度匱乏的三年自然災害時期，團隊頂著壓力拍攝兩年，制作成本高達100萬元，按照2004年的估算，相當于一兩千萬元。用在動畫上的每一分錢，都被轉化成了畫面中的神采飛揚。

這是一部真正意義上的“國風動畫史詩”。它將傳統美術、神話體系、戲曲動作、年畫技法、古典音樂高度融合，創造出一個既有文化根基、又極富想象力的神話世界。

它讓你在年少時只覺得熱鬧，但長大后再看，才讀懂里面的“反叛”和“諷刺”：太上老君的陰險、玉皇大帝的空虛、天庭眾神的迂腐，每一個配角都暗藏現實隱喻。而孫悟空，始終在做一件事——向虛偽權威說不。

也正因此，《大鬧天宮》在“文革”時期被禁播。但它是中國影響力最大的動畫之一。無數中國孩子心中，最初的英雄原型，就是那個騰云駕霧、七十二變、敢對玉皇大帝拍桌子的美猴王。

這不是動畫片，而是一代中國人想象力的源泉。

第四部，《瘋狂動物城》（2016）

沒記錯的話，《瘋狂動物城》應該是中國影史票房最高的進口動畫電影了。

《尋夢環游記》，《冰雪奇緣2》它們在內地的票房都不如《瘋狂動物城》。

《瘋狂動物城2》能打敗《瘋狂動物城》的票房記錄嗎？

我不知道。

我只知道，《瘋狂動物城》不僅是技術流的高峰，也是“動畫講嚴肅事”的現代范本。它講偏見、講歧視、講權力結構，但又用最幽默、最可愛的方式講出來。兔子朱迪和狐貍尼克之間，不只是種族沖突的影子，更是理想與現實的博弈。

這是一部在影院里我看了三遍的動畫，每一遍都笑得樂不可支。無論是樹懶辦理業務的慢動作，還是尼克拿著冰棍做“創業生意”，它用一種近乎漫畫的節拍感，把復雜的社會議題做成了老少咸宜的爆米花合家歡。

片中一個看似簡單的設定讓我印象極深：在“動物城”里沒有人類、沒有靈長類、沒有魚類、爬行動物、鳥類，也沒有貓狗這類人類寵物。這不是技術偷懶，而是高度自覺的刪繁就簡——避免了關于進化、主仆關系、弱肉強食等過度復雜的議題，從而聚焦在“如何打破偏見”這個主軸上。

或許這種設定限制了它的藝術高度，與此同時，它的高度恰來自于這種克制。

我選擇它，是因為它代表了“娛樂至上”的正面可能性。在中國動畫仍熱衷于“文以載道”時，《瘋狂動物城》告訴我們：好看、好笑、本身就是價值。

最后，我為朱迪尼克CP舉大旗。

第五部，《大圣歸來》（2015）

關于第五部，我很糾結。

究竟寫賣150多億的《魔童鬧海》，還是第一部國漫爆款《大圣歸來》？

最終我選了后者。

它可能不是最完美的，但絕對是國產動畫最重要的拐點。

在它之前，國產動畫還在“教育與教化”的軌道里原地打轉，即便有注重娛樂性的如《十萬個冷笑話》，也難以成為十億加的爆款。

《大圣歸來》首次用爽感、幽默、情緒爆發重新定義“國漫長片”。孫悟空不再只是個民族符號，而是一個有缺點、有情緒、有反差的角色。小男孩江流兒和他的羈絆，撐起了整部片的情感重心。

它不再糾結“動畫能不能有娛樂性”，它直接說：當然能，而且得好看、好玩、好哭、好賣。

正是這部作品的成功，讓《哪吒之魔童降世》《魔童鬧海》等大片有了落地的信心。《大圣歸來》開啟了真正意義上的“國漫商業時代”。

餃子不止一次說過，是《大圣歸來》的成功鼓勵了他，然后我們看到了哪吒。

“如果沒有‘大圣’，就不會有‘哪吒’。《大圣歸來》給我當頭一棒：只要和觀眾‘以真心換真心’，觀眾是愿意看好的作品的，甚至會更加寬容。”

從行業意義上看，《大圣歸來》在商業層面的巨大成功，不只是一次出發，也是一次對過往百年“動畫=教條”的溫柔告別。

結語：

除了上面這五部動畫電影，其實我還有很多念念不忘、反復重刷的片子。

寫這篇評論，其實是想說一個事實：國漫從來不是閉門造車的產物，它一直是博采眾長、大膽“拿來”的結果——這也是我為什么把相對冷門的《鐵扇公主》排在第二位的重要原因。

萬氏兄弟是中國動畫的先驅。他們對好萊塢動畫的學習精神，至今值得我們發揚。《鐵扇公主》的動態處理顯然受到了迪士尼風格的影響，正是這種不羞于借鑒的勇氣，才孕育出了后來《大鬧天宮》這樣的精品。

抗戰結束后，我黨接管了日本在東北設立的“滿映”，1946年成立了東北電影制片廠（東影）。其中的卡通股是新中國最早的動畫力量，創作了《皇帝夢》《甕中捉鱉》等諷刺片，風格硬朗、思想明確。

1950年，卡通股整體南遷上海，并入上影廠，逐步發展為后來響徹全國的上海美術電影制片廠。

可以說，中國動畫的傳統從一開始就帶著“結合”“變通”“吸收”的基因。

今天我們當然要強調本土化與文化認同，但這并不意味著要拒絕學習國外的優點——恰恰相反，真正成熟的國漫，應當既有《白雪公主》的工業力量，也有《瘋狂動物城》的娛樂節奏，更有《鐵扇公主》《大鬧天宮》的文化底蘊。

我選擇這五部動畫，不是為了拉踩誰，也不是為了列清單，而是想提醒我們：動畫不是某個國家獨有的榮耀，而是整個人類想象力的共同遺產。

我們需要的，是更多“愿意拿來，也能做出”的創作者。

這個暑期檔，上海美術電影制片廠的新片《浪浪山的小妖怪》即將上映，我很期待。