一邊是在現場隨著音樂盡情嘶喊和晃動，另一邊則要到街邊厚著臉皮賣票，造夢和利益的極致拉扯，在《奔赴！萬人現場》里呈現得淋漓盡致。

livehouse，源于日本的現場演出文化，這兩年成為國內音樂市場的潮流風向標。

萬眾期待下，騰訊視頻終于推出了一檔關于livehouse的綜藝，以“現場”作為音綜的新切口，讓一群音樂“新人”帶著自己的原創音樂進行線下演出，以真實的票房收入同臺競技，完成從0人到10000人現場的大跨越。

聽起來很瘋狂，幾乎是新人的陣容、原創音樂、現場演出、真實票房收入、萬人現場的元素疊加，絕對是音綜的大跨步創新。

目的顯而易見，這檔節目想要實現音樂人和節目的雙贏，但問題是，這群“新人”能撐得起最后的萬人現場嗎？說的更直白點，觀眾憑什么為他們花錢？

Live到極致

沒有金剛鉆，別攬瓷器活。節目的野心很大，想要通過現場賺錢，演出一定要足夠吸引人，所以《奔赴！萬人現場》幾乎將“現場”做到了極致。

先從livehouse開始，幾乎面對面的音樂人和觀眾可以瞬間將場子燥起來，獨具特色的原創音樂，帶有個人情緒和故事的烙印，尤其是樂隊的加持，特別的唱腔和格調，讓情緒加速發酵。

首期節目，香港樂隊Supper Moment在現場觀眾的大合唱中登臺，鼓點和主唱的聲音一出，現場的氛圍瞬間點燃，全場的觀眾跟隨著音樂擺手、跳躍，呼喊，冷眼瞬間起了雞皮疙瘩，主唱Sunny超強的舞臺表現力，極其熱血沸騰的歌曲，讓現場成為大型“軍訓現場”，特別是主唱走到臺下，到觀眾中間演唱時，現場的感染力更是發揮到極致。

不管是舉起雙手晃動的Pogo、排甩，還是跳水、開火車，觀眾總是會對于精彩的演出給予真誠的回應，因此，為了放大現場的魅力，節目組也將更多的鏡頭對準了臺下的觀眾。其實，“現場”本就是音樂的互動，是情緒的共鳴，是在大聲歌唱、跳動的汗水揮灑中，盡情地享受和宣泄。

犬儒樂隊的現場就是氛圍的代表，搖滾樂的鼓點、節奏和主唱的嘶吼極具壓迫感，聲光電的配合更是將音樂的爆發力推向最高點，觀眾在臺下的呼喊、跳動，讓現場變成了大型“烏托邦”，只留下極致的快感。

但這樣的場面一般是成熟樂隊才能享受到的回應，更多的“新人”還是面對“沒人聽”、“沒人回應”的殘酷現實。因此，《奔赴！萬人現場》設計了“真實票房收入”模式，讓觀眾看到“造夢”背后殘酷而真實的音樂市場。

《奔赴！萬人現場》最特別的一點是，現場演出的觀眾并不是節目組征集的觀眾代表，而是真正買票前來的樂迷。實際上，節目用“為你購票數”和“最值票價數”兩個維度來考量音樂人的影響力和商業潛力。

演出未開始前，節目組就統計了各個音樂人的“為你購票數”，能賣票，說明音樂人的作品有商業價值，有市場號召力，而演出結束后，節目組則會統計“最值票價數”，兩者中間的轉換數就是真正的“吸粉數”，也是競爭的衡量標準。

這對于“新人”來說是極其殘酷的。

這意味著節目幾乎沒有留給“新人”成長的空間，不管你是新人還是成熟樂隊，不管你是流行歌手還是搖滾樂隊，“是騾子是馬拉出來溜溜”，票房是衡量現場的唯一標準。

特別是在拼盤演出之中，音樂人的號召力觀眾給了最直接的反饋，像犬儒樂隊、椿樂隊、Supper Moment、Fine樂團的現場氛圍極其熱烈，而像新人陳華、韓菲、金典大頭等，觀眾不僅沒投票，甚至提前離場，根本沒有給音樂人展示的機會。

雖然有點無情，但這就是真實的音樂市場。真正的市場不會給音樂人分等級的難度任務，也沒有所謂的“新手村”和“新手保護”，有的只是大混戰中的廝殺，唯一的重點是“誰能搶到聽眾誰就是贏家”。

在這樣殘酷的機制下，也并不是每位音樂人都能在節目上展現自己的現場魅力，吸粉較少的“預備組”甚至需要再進行路演的比拼，在線下livehouse表演來爭奪為數不多的，在節目中展現的現場表演機會。

與此同時，節目也在各個環節貼近真實市場，在演出過程中邀請行業伙伴直接邀約，觀眾也是選擇音樂市場最主流的受眾，盡量減少中間商環節，直接讓市場看到音樂人的影響力，并進行經濟變現，將商業轉化的效率最大化。

一方面，《奔赴！萬人現場》毫不掩飾節目的動機，讓節目直接以“模式”驅動內容。明確的出名、賣票的動機，讓音樂人能夠使出渾身解數去表演，不需要導演組的刻意引導，故事和沖突就直接建立起來，讓節目有極強的可看性。

另一方面，節目以自身的影響力為音樂人搭建一個舞臺，但后續知名度的轉化全靠音樂人自身實力的票房號召力，給雙方帶來的是實打實的影響力和經濟效益的轉化，巧妙地實現了節目組和音樂人的雙贏。

從0人到萬人，他們能行嗎？

《奔赴！萬人現場》以騰訊視頻的背書為音樂人擴大知名度，再以音樂人的影響力帶動票房收入，的確是亮眼的通路模式，但問題是，這群“新人”有這么強的票房號召力嗎？

不得不承認，開過多場現場演出的音樂人不管是現場的氛圍，還是票房的轉化都比較亮眼，但這群人在節目里還是少數，更多的“新人”現場經驗不足、作品質量不夠，從獲得金曲獎的Supper Moment到一次演出經驗都沒有的純新人，水平差距之大導致舞臺效果懸殊，不要提票房號召力了，連記住他們都有點費勁。

節目第二期邀請的美依禮芽踢館更是襯托出一些“新人”現場的單薄、乏味。美依禮芽無可挑剔的唱跳實力，超強的舞臺爆發力，和狀況百出的樂隊、忘詞破音的小白相比，更是看起來像是總決賽和海選現場的區別。

在這樣的情況下，節目想要完成從0人到萬人現場的跨越，屬實有點困難。

梳理近幾年音綜出圈的音樂人，我們不難發現，他們的爆紅不是一蹴而就的，要么就是有超強的舞臺經驗，要么就是本身有話題度。

《歌手》第一期，來自加拿大的摩洛哥裔女歌手凡希亞表演完，社交媒體就已經出現了關于她實力的討論，美國歌手香緹默的表演，更是引爆了輿論場。

同樣都是在國內知名度幾乎為0，凡希亞和香緹默的爆火除了《歌手》這個經典IP，就是毋庸置疑的實力，甚至在第一期拿下冠亞軍后，那英的“五旬老太守國門”的相關話題更是讓內娛熱鬧了一把。

試想，若將有如此實力的音樂人邀請至《奔赴！萬人現場》，不僅是livehouse、音樂節，打造個人演唱會也未嘗不可。

當然，有實力的選手可遇不可求，但“人力”可以做到的，就是挖掘音樂人身上有趣的特質，加強記憶點，引爆話題。

像《歌手》中的黃宣，一場比賽下來僅靠唱歌不一定讓人記住，但嘎嘎有梗的主持反而收獲了無數觀眾的喜愛，甚至被評選為“何炅接班人”、“《歌手》最佳主持”，抽象而松弛的靈魂毋庸置疑成為《歌手》史上“最有魅力的光頭”。

而從《樂隊的夏天》里出圈的五條人，和常人不一樣的腦回路、肆意通透又可愛的性格，竟然在開場之前的最后一秒臨時改歌，將舞臺變為自己的演唱會，恰好符合樂迷所推崇的自由散漫而靈魂有趣，同樣吸引了一批忠實度非常高的觀眾群體。

和上述的例子相比，《奔赴！萬人現場》嚴重缺乏這樣足夠驚艷的人物，來帶動節目熱度。

若想真的實現“萬人現場”，節目組要么是打造更極致的音樂現場，達到“非看不可”的地步，要么就是在人物上花費更多的心思挖掘和打磨，洞察更加垂直和小眾的圈層，進行話題引流，在破圈的同時，實現更加強有力的票房號召。

除了選手實力之外，節目還有一個很大的限制，就是現場的氛圍難以有效傳達給屏幕前的觀眾。

看過現場的人都知道，樂隊現場的演出和互動和在耳機里聽歌是完全不一樣的，為此Live才有著獨特的生命力，那么節目既然以“現場演出”為切口，又打著“真實票房收入”的旗號，那么勢必要把線下演出做大，做成品牌和IP，以線上節目的影響力吸引更多的觀眾去線下買票，才能真正改變音綜的商業格局。

為了實現這個目標，節目組不能局限于現有的綜藝制作的邏輯，也不能局限于長沙這一個地方，要以對待一種大型演出項目的方式去推廣，采取“一魚多吃”的策略，地推、直播通通搞起來，打通更多的線下渠道，將知名度打出去，才是實現萬人現場的關鍵。

當然，在一季節目里解決這些問題未免苛刻。不得不承認，《奔赴！萬人現場》已經給音綜打了一個很好的“樣”，改變原有音綜以“人”驅動的方式，真正做到以“模式”驅動內容，讓綜藝的生態流動起來。音綜也改變了作為音樂呈現載體的局限，成為了小型市場探索的場域，這絕對是一次亮眼的創新。

從以“人”驅動，到以“模式”驅動，綜藝內容生態的扭轉是可預見的。

即使市場遇冷，我們也能看到綜藝人的堅持，對內容有效的嘗試，盡管目前的《奔赴！萬人現場》還有這樣或那樣的問題，但既然邁出了創新這一步，我們就應該鼓勵和尊重，也正是這些創新讓我們對于綜藝還有期待。

畢竟冷眼相信，真正的萬人現場，或許就在不遠處。