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AI模型持續更新，好萊塢還在罷工。

卡梅隆說得很直接：“如果不擁抱 AI，好萊塢大片都將會死在預算里。”

這位拍出《泰坦尼克號》《阿凡達》《終結者》的傳奇導演，如今把目光轉向了生成式模型。他不是來反對技術的，而是親自走進了 AI 公司 Stability AI，研究如何把 Stable Diffusion 融入 VFX 流程，讓大片的制作從“燒錢工業”變成“智能創作”。

他很清醒：不是要裁掉藝術家，而是用 AI 釋放創作者的想象力。

他也很坦率：行業的危機，不是觀眾不買票，而是制作方式落后于時代。

“我做 CG 特效快 40 年了，生成式 AI 是唯一有可能讓團隊產能翻倍的突破。”

當大多數影視行業還在為版權、訓練數據爭論不休時，卡梅隆已經開始把 AI 融進了劇本、鏡頭與后期工作流。

這不是《終結者》里的天網崛起，這是創作者在自我革命。

第一節｜拍完《阿凡達》，他轉身擁抱 AI

“如果是在 20 年前，我可能又會自己去開一家 AI 公司。”

卡梅隆在播客里開玩笑說。但如今，他沒有再重復那個孤獨創業者的路徑，而是選擇站在已有平臺上，加入了 Stability AI 的董事會。這家公司正是 Stable Diffusion 的開發者，在開源生成模型領域走在前列。

他為什么選擇 Stability？

不是為了名利，也不是興趣使然，而是出于一個極其務實的判斷：

“如果我們還想繼續拍那種特效密集的大場面電影，比如《阿凡達》《沙丘2》，我們就必須降低成本。”

傳統視覺特效（VFX）流程中，每一秒鐘的鏡頭都可能要動用幾百小時的人工修正。從 rotoscope（摳像）、動作捕捉、角色綁定、物理模擬、幀間修復……全是機械又費人的工作。而卡梅隆看到，這些恰恰是 AI 最擅長的。

但他也知道，這不是簡單“接個 API 就能上”。

他正在做的，是深入了解這些模型是怎么訓練出來的、需要什么樣的數據量、算力資源，以及它能嵌入傳統影視流程的哪些節點。

從導演變成“技術顧問”，是他對時代變化的主動適應。

他甚至有點急迫——

“CG 行業已經進入平臺期了，而生成式 AI 是一條全新的路。”

一位拍科幻片的導演，如今正成為真正科技革新的推動者。

第二節｜不是裁員，是翻倍：AI 是特效團隊的救命稻草

“沒人愿意每天都在修幀。”

卡梅隆在采訪里提到，自己做 CG 視覺特效已經 38 年，最懂制作流程里哪些步驟又慢又累，但又沒人愿意干——

比如 rotoscope（摳像）、動作捕捉后的角色對位修正、outpaint（畫面外延）、補幀、光影一致性優化……這些工作，全靠特效藝術家一幀幀修補，有時一個人得花幾周時間修完一段十幾秒的鏡頭。

這就是好萊塢的“工業地獄”。

“生成式 AI 是唯一一個可以讓特效產能翻倍的技術突破。”

這句話很重。它不是在談靈感，不是替代導演創作，而是非常具體地指出 —— 在保證質量的前提下，AI 能幫創作團隊節省時間、節約預算，甚至讓原本拍不了的場景重獲可能。

他舉了一個例子：

用 AI 去處理角色動態失真、環境遮擋、布料模擬這些任務，

AI 可以一夜處理上千個鏡頭草稿，而原來可能需要幾十個人一周。關鍵還不是為了裁員。

是讓原本“做不出來”的鏡頭，在預算范圍內“能做得出來”。

他并不幻想 AI 能一鍵生成大片，但他相信它能釋放出團隊的能量，讓創意人員少些“擦地”，多點“造夢”。

這不是機器取代人，而是工具在進化。

第三節｜訓練數據爭議？他用一句話顛覆焦點

“我們的大腦，本身就是一臺 AI 模型。”

卡梅隆沒有回避生成式 AI 最敏感的爭議——版權與訓練數據。他承認這些問題存在，但他的視角卻令人耳目一新：

“人類不是在‘搜索數據庫’，而是在‘建模’。” “我們看到、聽到、讀到的所有內容，都會被大腦內化為模型，未來在新場景里快速反應。”

這和 AI 模型的訓練方式有什么不同？

沒有本質區別。

他說得更直接了：“所有藝術家，都是模型。只是我們是生物版本。”

這句話，可能會讓許多反對者不舒服。但卡梅隆提出了一個新的判斷標準：

不是看你喂了什么，而是看你輸出了什么。 抄襲不是輸入的鍋，是輸出的問題。

這就像他寫劇本時受到《星球大戰》的啟發，能否創作新作品，不取決于有沒有看過《星戰》，而取決于你有沒有照搬它的情節、畫面與對白。

而 AI 模型的問題，也該用同樣的邏輯來看。

他甚至大膽類比了人類社會的創作過程：

• “同人作品”和“商業盜版”之間的區別，本質是使用目的和程度的不同。

• AI 生成圖像模仿某位大師風格，自娛自樂沒問題，但拿去牟利就得遵守邊界。

這是一種極具現實感的判斷。不是唱高調，不是盲支持，而是站在創作者的立場，厘清“引用”與“復制”的分野。

在對 AI 無比警惕的好萊塢，他的態度堪稱罕見——理性、專業，且愿意前行。

第四節｜創意民主化的機會，還是大導演的新工具？

“AI 可能讓更多人擁有大片夢。”

卡梅隆并不否認生成式 AI 的潛力有雙面性。一方面，它可能打破工業門檻，讓獨立創作者也能做出有視覺沖擊力的作品；但另一方面，它也可能成為“大導演”的又一重利器，進一步拉開人與人之間的創作鴻溝。

“很多大師都有風格。AI 可以模仿，但你不能濫用。”

卡梅隆舉了一個很接地氣的比喻：

“就像同人作品和盜版周邊之間的差異一樣—— 一個是出于熱愛，一個是為了牟利。”

他不反對個人用 AI 去模仿某位藝術家的風格，甚至認為那是一種創作啟蒙；但如果你把這種風格包裝進產品、拿去商業變現，那就不只是靈感了，而是一種“劫持”。

這也是他對行業的提醒：生成式 AI 是創造力的放大器，不是責任的豁免器。

他相信，未來會有越來越多的普通人，可以不依賴工作室、不依賴大制作，借助 AI 工具講出自己的故事。但前提是要建立合理的邊界。

比如：

• 是否有“風格授權”機制？

• 生成內容的“原創性邊界”能否可追溯？

• AI 創作產品中，有沒有必要聲明數據來源或使用協議？

這些問題不是技術本身能解決的，而是整個產業、法律與倫理層面必須共同面對的。

但卡梅隆不悲觀。

“技術不能被妖魔化，但必須被規范。” “它能幫助我們講出更多故事，但不能篡改誰擁有故事的權力。”

在他看來，AI 并不是要取代人類藝術家，而是把他們從重復勞動中解放出來，讓他們有更多時間投入真正的想象力。

第五節｜不接納 AI，好萊塢可能會死在預算里

“不是藝術出了問題，是商業撐不下去了。”

詹姆斯·卡梅隆說這話時很平靜。但從他的表述中，我們能感受到大片工業的真實危機：

“如果我們還想拍那種特效大片，必須把成本砍一半。 而生成式 AI，也許是唯一一個能讓我們在不裁員的前提下，做到這一點的工具。”

過去十年，流媒體平臺推動了短暫的內容狂歡，好萊塢進入“高預算、快產出”的短暫蜜月期。但這套模式已經在崩塌——Netflix、Disney+、HBO Max 開始大幅削減制作預算，觀眾審美疲勞，訂閱量停滯甚至下滑。

換句話說，資本不再為“大片情懷”買單了。

而 AI，可能是這場產業塌方中唯一的承重墻。

卡梅隆講得很直白：

• 特效越做越貴，票房卻不一定增長

• 一個鏡頭動輒幾十萬美元，還是靠人肉堆出來的

• 編劇、導演、特效團隊成本高企，創作流程卻沒變

“我們還在用 90 年代的工作模式，拍 2020 年代的電影。”

而觀眾呢？手機一刷，幾秒決定看不看，根本不給你講故事的機會。

他不是在夸大危機——他在提醒一個行業的現實：

再不接納 AI，不是藝術會死，而是工業會崩。

這也是為什么，他在加入 Stability AI 后，最關注的不是“AI能不能寫劇本”，而是“AI能不能幫我把這個鏡頭做出來，而且比過去便宜一半”。

技術不再只是導演的“酷炫玩具”，而是電影工業能否活下去的 戰略資源。

第六節｜科幻的盡頭，是現實的入口

“很多人覺得我只對科幻感興趣，其實我真正著迷的，是邊界。”

詹姆斯·卡梅隆說這句話的時候，剛結束一次深海潛航任務。那是他第 33 次下潛至泰坦尼克號的殘骸海域。

這位被譽為“電影工業的工程狂人”的導演，其實還有另一個身份：海洋探險家。

在他看來，海洋與宇宙，是人類兩個最后的“盲區”。但與太空相比，海洋近得多、急得多、卻也更被忽視。

他說：“很多人說地球沒什么好探索的了。但海洋深淵帶的面積，相當于整個美國，我們卻幾乎一無所知。”

這段話的背后，是他一貫的主題：

不是科技改變了世界，而是人類愿不愿意直面未知。

而 AI，本質上也是“未知”的一部分。它既可能幫助我們更好地表達、創造，也可能因為使用不當而侵蝕行業與信任。

但在卡梅隆的語境中，AI 不該成為“科幻的終點”，而應成為“人類想象力的工具”。

“如果你不能講一個關于人類的故事，哪怕你畫出銀河系，也沒人愿意看。”

這是一位導演最樸素的堅持：

無論技術如何進化，情感與沖突，始終是好故事的核心。而 AI 的使命，不是替代人類的創造力，而是讓創造力被更多人釋放。

最后，他留下一句話，足以為這篇對話、也為這個時代的“技術焦慮”畫下注腳：

“我們必須讓技術，服務于想象，而不是取代想象。”

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參考資料：https://www.youtube.com/watch?v=qOdjM14QW0s&t=2083s&ab_channel=Meta

來源：官方媒體/網絡新聞

排版：Atlas

編輯：深思

主編: 圖靈