艾敬，遼寧沈陽人，藝術家、創作歌手、作家，曾經創作并發行 5 張個人演唱專輯以及多張 EP 單曲。艾敬于1999年開始畫畫，后移居紐約學習當代藝術。2007 年正式以藝術家身份參加藝術展。2008 年在北京今日美術館舉辦首次個人藝術展“ALL ABOUT LOVE”。2009 年 10 月在紐約舉辦個展“AI WANT TO LOVE”。2010 年 5 月參加中國（當代）文獻展“改造歷史”主題展，其裝置作品《生命之樹》引起多方關注。2012 年 11 月在中國國家博物館舉辦個展“I LOVE AIJING：艾敬綜合藝術展”，成為中國國家博物館建館以來首位舉辦個展的當代藝術家。2013 年 6 月艾敬雕塑作品《海浪》被中國國家博物館收藏。2014 年 5 月，“LOVE AIJING：艾敬的愛”巡展上海中華藝術宮，也是該館成立以來首位舉辦個展的當代藝術家。2015 年 6 月艾敬開啟了個人藝術的世界巡回展，第一站意大利米蘭的昂布羅修美術館，展覽名為“對話”，她同樣也是該館成立四百多年以來首位舉辦個展的當代藝術家。

烈日下的行走 #1

布面油畫

90cm×90cm

2014

全世界是綠色的

文/艾敬

（一）

童年的我總有一種失落的情緒，也有一種游蕩的記憶。我常常走入艷粉街邊緣的那片充滿生機的原野，那里有一個廢棄的機場，在那周圍是一片一望無際的原野。我與綠色原野上的野花野草為伴，采摘野生藍莓，燒螞蚱吃，追著蜻蜓玩耍……那時候，我的世界是綠色的。

我 17 歲那年離開了家鄉沈陽，那是 20 世紀 80 年代末。漂泊似乎是我的宿命。帶著母親對我的期許，我踏上了“征途”。這種征途更像是一種旅行，這種旅行又像是一種征途。或許是因為我身上流淌著一半滿族人血液，狩獵和游牧仿佛已經寫入我的 DNA。我不能總是待在一個地方，超過幾個月我就要收拾行裝、背上行囊，去旅行，去發現。90 年代初作為歌手我簽約日本索尼唱片國際部。我把旅行中的很多感受寫成歌，制作成音樂演唱專輯。旅途帶給我更寬廣的視野。90 年代末，我的旅行主要圍繞著博物館和美術館的參觀。這個愛好悄然地改變了我的人生方向。當時的我對美術史一無所知，或許正因為此，視覺藝術的這扇大門里的千奇百怪與光怪陸離的景象吸引著我，我近距離地欣賞這些藝術珍品，就像當初我獨自踏入艷粉街邊緣的那片原野。在視覺藝術的世界里，想象力和創造力是沒有邊界的，充滿了無限與可能。

從音樂創作到視覺藝術的實踐，我已經走過幾十個春秋。直覺非常重要，天分必不可少，勤奮是一個必經階段，但理論思想更為重要。我曾經在《我的母親與我的家鄉》這本書當中說過：“比畫面美的是思想，比思想美的是畫面。”視覺藝術不僅僅是給人們提供情緒和情感價值的工具，那只是一個淺層的表達。藝術作品帶給人們的，是一個媒介、一扇門，一種全新的思考方式。藝術能夠引領我們進入一種思考以及想象空間，激發我們的創造力，點燃對生活的激情。藝術是為人們的精神層面服務的。

童年記憶會對一個人的成長留下深深的烙印。在不知不覺中，童年的印記早已深深地刻入你的特質。東北的黑土地里夾雜著深淺不同的棕色，豐收的東北稻田里是滿眼的金黃色，而這金色也是有層次遞進的。豐盈的玉米迫不及待地探出飽滿的身姿，色彩從嫩綠、青綠到深綠再至枯黃。秋日陽光照耀下玉米地里，絲絲光線忽明忽暗地投射進來，陣陣風吹陣陣沙響，大自然詠奏著生命的交響曲。這些記憶都能轉化為一種視覺語言。

Girl and Swing

裝置，綜合材料

120cm×40cm×40cm

2018

（二）

當初我決定從音樂轉入視覺藝術創作，我在心底就已經與音樂作了告別，我必須專注，我需要忘記。但是后來，我發現音樂一直在我的生命中流淌，它從未遠離。

在疫情暴發初期，我正在日本與海外的家人團聚。那時我們被暫時困在旅行中。我讓妹妹網購了一臺黑膠唱機，去二手唱片店里買了很多經典的黑膠唱片，甚至把店里的看家貨品也拿下了，我還記得店員不情愿的表情。我們在酒店里播放著那些經典的音樂，平克·弗洛伊德（Pink Floyd）、披頭士（The Beatles）、王子（Prince），等等。那一刻，我深深地感受到音樂的聲場給身體帶來的震動—音樂是更趨于人性的創作，而視覺藝術的創作是具有神性的。然而，疫情把我們從對“神性”的追求中打回原形，那一刻，我們就是普通人。

多年前，我在故宮博物院觀看了南宋畫家馬遠的 12 幅《水圖》，我完全驚呆了。一位距今約 800 年的畫家，如此抽象的表達方式，僅用線條就能勾勒出江河的氣勢與微妙、平靜與洶涌。從那時起，我心中難以忘懷馬遠作品中的那種水紋的波動，那種律動下似乎隱藏著極大的克制……克制，是一種殘忍的美。

I Love Color #61

布面油畫、油畫棒

90 cm × 90 cm

2019-2021

疫情下北京的冬天，時間仿佛被鎖住。工作室窗外，灰蒙蒙的天空，落空了樹葉的樹枝勾勒出一種氛圍。我忽然發現那是我記憶中老北京獨有的樸素與莊嚴。窗外的景象仿佛與我在 80 年代末來到北京的時候一模一樣。時間出現了頓感，讓我們有機會去傾聽、去感受。在那個當下，我開始嘗試用彩色鉛筆在紙上創作，作最簡單與純粹的表達。我先從書寫 love 開始，然后逐漸地，love 變成了線條與波紋，然后是重疊與交錯、涂抹與覆蓋。紙張和彩筆具有親切的屬性，紙張是有彈性、會呼吸的。當你在紙上涂抹，你與紙張共呼吸……

這幾年我一直買一種叫作“馬醉木”的植物。馬醉木這種灌木植物非常美，它的每個枝條都不同，各具形態，富有個性，就像我們每一個獨立的人。馬醉木的葉子有毒，據說是因為馬匹誤食之后東倒西歪像是醉了，因此得名“馬醉木”。我尤其喜歡馬醉木那種獨木成林的風骨。當枝葉枯黃之后，它的枝條顯現出一種堅韌的本質。偶然間，我把馬醉木的枯樹枝與紙上作品放在一起，把兩者合二為一，奇妙的是，由此形成了一種獨特的裝置繪畫語言。這組作品的形成也源于我對生命本身的觀察和感悟。

Mr.R #12

布面油畫

180 cm × 180 cm

2020

（三）

我一直非常喜歡一首歌，是來自美國搖滾殿堂級“老炮兒”Tom Waits 的音樂專輯 Blood Money 里面的一首歌 All the World is Green。這首歌的歌詞很有畫面感，歌詞的寓意層次也很豐富。比如歌詞第一句：“I fell into the ocean ,when you became my wife.”這句歌詞讓我想到達利給其妻子的畫像，有很多幅都是以海洋與天空為背景的。接著作者進入了更具象征意味的描述：“The face forgives the mirror, The worm forgives the plow.” 這兩句歌詞帶有哲學意味，暗示大自然里相互傷害的物種與物體之間都可以和解，它們本來不存在惡意，那只是一種殘酷的現實。“You turn kings into beggars And beggars into kings”，這句歌詞我常常引用，作為藝術家我反復要經歷的就是“從國王到乞丐，又從乞丐到國王”的過程。最后一句歌詞：“Maybe when our story's over，we'll go where it's always spring. The band is playing our song again，all the world is green”……

詩歌與文學帶給我們每個人的思考都不同，我們都會根據自身的處境和體驗去感受藝術作品帶給我們的想象。疫情已經過去，但是它帶給我們的思考應該要總結和紀念。一切終將過去，一切也有可能循環往復。當別人說起我們的故事，也許會傳唱我們的歌謠。那時候，我們希望這個世界是綠色的。

Flow, 19th January 2021

紙本彩鉛，綜合材料

57cm×76.5cm

Flow, 21st April 2021

紙本彩鉛，綜合材料

57cm×76.5cm

Sun #1

金色云母與綜合材料，布面

48cm×48cm

2023

Moon #1

珍珠云母與綜合材料，布面

48cm×48cm

2023

Love in Gold #1

金色云母與綜合材料，布面

110cm×90 cm

2023

Love in Pearl #1

珍珠云母與綜合材料，布面

110cm×90cm

2023

I Love Color #62

布面油畫、油畫棒

90cm×90cm

2019-2021

Mr.R #10

布面油畫

150cm×150cm

2018

Mr.R #11

布面油畫

175cm×175cm

2018-2019

寶貝我愛你

布面油畫

180cm×210cm

2008

I love color#64

綜合材料

90cm×90cm

2019-2022

I love color#63

綜合材料

90cm×90cm

2019-2022

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