2011年1月19日，郎朗受邀前往白宮，演奏了一首經典曲目《歌唱祖國》，就是幾乎每個中國人都能張口就來的電影《上甘嶺》的插曲“一條大河波浪寬……”

明明是一個很正常的表演，結果國內一群公知破防了，上演了一處二十一世紀的“友邦驚詫論”，說郎朗在白宮彈《歌唱祖國》是“辱美”。

大家可能不知道那個時候的公知有多逆天，那真是群魔亂舞烏煙瘴氣的年代，我隨便找一篇當年攻擊郎朗的文章，當時互聯網輿論的逆天程度是這種千倍萬倍——

這事還有一個非常搞笑的后續，美國官方都被中國這些二鬼子們弄煩了，白宮發言人專門發表了一個聲明，表示郎朗的演奏并無不妥——

上述是一段真實的歷史，而姜文的新作《你行！你上！》則把郎朗真實的成長經歷與其所代表的意象和象征，進行了一段平行蒙太奇的交織：歷史即是人生，人生即是歷史。

《你行！你上！》好就好在“醋”的濃度過高。可能姜文對于輿論對其作品的過度解讀已經有點厭煩了，他最近兩部的作品已經完全不搞“暗示”了，而是赤裸裸的、超大劑量的“明示”。

本片的一個小高潮，就是少年郎朗搬家時，鋼琴從樓上吊下來，他在吊臺上為小區居民演奏了兩首歌曲，背后萬家燈火萬家矚目，最后以大家一起大合唱為結尾。這兩首大家都聽得出來，分別是《瀏陽河》和《保衛黃河》：

瀏陽河彎過了九道彎 五十里水路到湘江 江邊有個湘潭縣哪 出了個毛主席 領導人民得解放啊咿呀咿子喲 毛主席像太陽 他指引著人民前進的方向 我們永遠跟著毛主席呀 幸福的日子萬年長咿呀咿子喲

風在吼，馬在叫， 黃河在咆哮，黃河在咆哮， 河西山崗萬丈高，河東河北高粱熟了， 萬山叢中抗日英雄真不少， 青紗帳里游擊健兒逞英豪， 端起了土槍洋槍， 揮動著大刀長矛， 保衛家鄉，保衛黃河，保衛華北， 保衛全中國！

這兩首歌曲最后又一次出現在了片尾曲中，這就是導演要“明示”給你——別瞎猜，這就是明牌的本來意思。

我認為郎朗的意象代指，其實就是“少年中國”的象征，電影反映的就是中華民族從近代一路“開掛”逆襲崛起的過程。

首先片名很有意思，最初叫《英雄出少年》，后來改為網絡流行語“你行！你上！”。這種改名很"姜文"，用戲謔的方式消解傳統敘事，估計姜文可能覺得至少在題目里不要太過于“明示”了。而英文片名最初是《Let the Music Fly》（現在改成了You are the Best）與《讓子彈飛》形成互文，其實暗示了主題的連貫性。

開頭有一個臺詞就很有味道：“天花板上頭是啥？”既是父子對藝術巔峰的追問，也是“少年中國”在懵懂時期的仰望與追尋。

電影花了很大篇幅展示這對父子如何一步步打拼，從沈陽的小琴房最終站上了美國紐約最頂級的卡內基音樂廳舞臺。這條闖關的路上充滿了現實的殘酷和父子的碰撞。父親管得極嚴，有時用（相對）極端的手段督促兒子；兒子在嚴苛環境下成長，承受著超越其年齡的巨大壓力——不管是高強度的練琴，還是高度緊張的比賽，以及形形色色性格的老師。

片中父親那句反復吼的“你行！你上！”，既是對兒子的逼迫和要求，也像是他們倆面對所有困難時不認命、不退縮的態度。

“你行！你上！” 和“讓子彈飛”的“不許跪”一個內核：別認命，敢拼才有路。

決賽場那架鋼琴早就不是樂器，成了撞開西方藝術大門的攻城錘。當美國鋼琴老師彈錯音符跳水，無法為郎朗配樂時，郎國任拿出了他那把飽經滄桑的二胡，這是一個非常有象征意義的情節。

臺下那些白皮膚藍眼睛們終于明白，這爺倆拼的壓根不是幾個音符，是一代人把脊梁骨挺直的狠勁兒。姜文的鏡頭語言斬釘截鐵：我們站上你們的臺子，不捧你們的場子，我們要用自己民族的樂器，演奏自己的雷霆。

姜文的民族情懷始終帶有一種冷峻包裹的溫情：在《鬼子來了》中，當馬大三被他自己“飼養”過的俘虜砍下頭顱，畫面瞬間從黑白轉為令人窒息的滿屏血紅。這個超越現實主義的表現主義手法，是姜文撕開歷史遮羞布發出的最強音——它不僅是馬大三個體生命的終結，更是對整個民族近代以來因愚昧、妥協所承受巨大苦難的血淚控訴。

姜文曾坦言，拍攝《鬼子來了》是出于一種“想讓日本人承認歷史”的責任感，但更深層的，是借這血肉橫飛的一幕，向自己的同胞發出振聾發聵的警示：回避歷史傷疤的“健忘”和面對暴力時的懦弱幻想，只會招致更深重的毀滅。他的民族情懷首先建立在對歷史傷痛毫不回避的直視和深刻省思之上，這種“痛感”構成了他作品中民族敘事的沉重底色，也是喚醒民族自覺的邏輯起點。

《你行！你上！》雖然不如《鬼子來了》如此沉重，但也包含著“痛并快樂著”的民族崛起之路。可能姜文年紀越大心越軟了，不忍心再像《鬼子來了》那樣“虐”觀眾，但他對這片土地飽含的深情是不變的。

電影中郎朗的“老師”們，也頗具有象征意義。

并不是每一個“老師”對郎朗都是好的，其實很多老師都是有各自目的或是方向不對的，這可能對應著中華民族崛起過程中，那些為了探索和前進必然要走的“彎路”。

不知道大家看電影的時候有沒有留意到一個細節：姜文帶郎朗去沈老師家學琴的時候，偉人像是順時針轉動的；而去歐亞老師家學琴的時候，偉人像是逆時針轉的。

歐亞就是那個說郎朗彈琴是“打砸搶”彈法的老師，然后拒絕教郎朗。這是一個很曖昧的情節，因為電影中沒有交待郎朗改變了彈法，那也就是說郎朗就是用歐亞老師嫌棄的這種彈法沖出中國、走向世界、橫掃美日歐。

大師諸葛伯樂也很有趣，在蘇聯留過學，張口稱“達瓦里氏”。但是他要求郎朗“離開父親，跟隨老師”，要求他對郎朗人生道路的全面掌控權。這不是就當年“老大哥”蘇聯的象征么？蘇聯確實當過我們的老師，但我們最后也沒有走蘇聯的道路。

后面郎朗的老師就換成了美國人，這估計也是有象征意義的。美國老師給他找了經紀人，老師和經紀人的共同點就是：讓你練到四十五歲，才能出道。或許這就是暗示了美國對我們的態度——可以幫你，但你只能跟在我身后，不能在高新技術或其他領域超過我。很明顯，郎朗和郎國任也沒走美國老師和經紀人規劃的道路，而是自己闖出了一片天。

最后郎國任用東北話開除了美國經紀人福爾摩斯，就像他用東北話駁斥“達瓦里氏”諸葛伯樂一樣，“這就是一種自信”。郎朗只是一個十六歲的璞玉，郎國任就敢這樣拒絕業界前輩、商界大牛，堅持走自己道路，這種象征意義是不言而喻的。

當年我們一窮二白的時候，“一個拳頭打美帝，一個拳頭打蘇修”，愣是打出了冷戰第三極，打出了第三世界最高的統戰價值。但凡我們不能獨立自主發展，成為美帝或蘇修的附庸，我們在后冷戰時代的外交局面都絕沒有這樣海闊天空。

不過值得一提的是，郎朗這幾任老師并不是臉譜化的正面或負面形象，歐亞老師雖然被郎朗嚇暈了，但是在打分上也盡量做到了客觀公正；諸葛伯樂只是跟郎國任有路線分歧，并不是不希望郎朗好，只是覺得自己的道路是郎朗最適合的道路；美國老師和經紀人，確實希望靠郎朗掙錢，但是他們提出的“音樂家四十五歲后出道，因為人生閱歷越多對音樂理解越深”也未必沒有道理。

這種不是非黑即白的形象還是充滿魅力的。只不過郎國任太自信了，郎朗也太能打了，他們用實際行動證明這幾位老師看錯了。

但這幾位老師也不一定就是壞人，只不過他們往往從自己的經驗、自己的利益出發，中華民族的崛起終究是要走獨立自主的道路。

還有，第三任老師葛優的形象是愛因斯坦，電影中也反復出現了愛因斯坦吐舌頭的照片。那我的理解是，如果歐亞老師拒絕的“打砸搶彈法”對應的是“德先生”，那么愛因斯坦這里對應的就應該是“賽先生”。

德先生、賽先生、蘇聯、美國都齊活了，也確實對應了“少年中國”成長的幾大“老師”。

那么郎國任&周秀蘭，以及鄰居、警察、班主任、司機……那就是指引、保護、照顧“少年中國”成長的先鋒隊和人民群眾了。

最后想說一說這部電影的藝術表現力。首先是姜文電影特有的強烈對比和暴力美學：比如《鬼子來了》，整部片子憋屈的黑白讓人透不過氣，偏偏砍頭那一刀下去，血呼啦濺滿銀幕變成扎眼的紅，這突然的顏色變化像把刀豁開悶罐子，讓你疼得清醒——歷史不是和風細雨，是血，是得用最直接的疼逼人記住的疼。

這份強烈的對比與暴力美學表達在《讓子彈飛》里更肆無忌憚，火鍋配子彈，火鍋湯的熱氣混著子彈的硝煙，殺人場面用慢鏡頭放大了看，子彈的特寫閃閃發光，他是借著鮮明的對比畫面解構暴力本身。鴻門宴那場，仨人圍著桌子轉圈圈，鏡頭也跟著繞，權力像扯著線的木偶戲在你眼皮底下繃緊，隨時能崩。這是姜文的狡黠，也是他的鋒利。

《你行！你上！》中這種風格沒丟，只是換了新戰場——鋼琴。郎朗每一次鋼琴比賽、鋼琴表演，都像一場戰爭，帶著殺氣騰騰的氛圍與精神氣。最后的演出，郎朗把自己拋起來，帶著全身的重量砸在琴鍵上，音符就好像《讓子彈飛》中攻打碉樓的槍林彈雨——銀瓶乍破水漿迸，鐵騎突出刀槍鳴。用槍炮般的音符喊出無數人心底中的那句話：中國人來了！

我覺得姜文這種鮮明的藝術風格和敘事方式是難能可貴的。當前電影市場被商業化、市場化主導——當然并不是說商業化有錯——只是導致很多本應該深入思考、深入挖掘社會問題的藝術家們，紛紛變得浮躁與功利。

這幾年翻拍國外經典作品非常流行，日本、印度、越南、泰國這些國家有些電影成功了，我們就把他的劇本買過來，翻拍一遍。這當然是商業上可行的策略——因為它們已經被市場證明成功了；但是從藝術上講卻是那些導演的失敗，因為他們放棄了探索、創新、自我表達的可能性。

在這個影視藝術越來越功利化、浮躁化、敷衍化、套路化的時代，姜文一如既往地堅持自己鮮明的藝術風格是一件非常難能可貴的事情。審美畢竟是多元化的，鮮明的個人風格肯定不如“泛商業化”的套路片更有市場，但我對于此類作品都是高看一眼的。