6月15日，第27屆上海國際電影節“開幕論壇：時代風華 夢啟新程”舉行，萬達、大麥娛樂、光線、上影、華策等影視行業領軍企業代表齊聚一堂，圍繞中國電影誕生120周年歷史節點，就內容創新、產業升級、技術迭代等核心議題展開深度對話，為中國電影可持續發展注入思想動能。

中宣部電影局主持日常工作的副局長毛羽，中國電影基金會理事長張丕民，華夏電影發行有限責任公司黨委書記、董事長白軼民，中共上海市委宣傳部副部長、上海市電影局局長潘敏等出席論壇。論壇由中國電影藝術研究中心研究員、《當代電影》雜志主編皇甫宜川主持。

01

上海“電影之城”建設成果豐碩

全產業鏈服務賦能創作生態

上海市委宣傳部電影處處長劉祎吶致辭中介紹，過去一年上海以全流程服務體系推動電影創作實現質效雙升。2024年，42部上海出品電影占全國國產片票房總量的1/5，13部作品票房過億，占全國過億影片數量的1/4，3部作品榮獲“五個一工程”獎，8部作品斬獲華表獎、金雞獎、百花獎等12項大獎，形成“佳作頻出、票房領跑”的良好態勢。

作為服務創新典型案例，2024年以7.2億票房躋身國產片年度前十的《好東西》，通過組建專項服務專班、協調全市勘景資源、創新“城市情書”主題宣發，實現小成本影片的口碑票房雙豐收，被業內稱為“上海服務體系助力創作的范本”。上海已建立涵蓋項目立案、拍攝、宣發全周期的重點項目庫，并依托文化發展基金會形成穩定的資助機制，為《醬園弄·懸案》《刺殺小說家2》《浪浪山小妖怪》《分手清單》《歡迎來龍餐館》《飛馳人生3》等重點影片提供從創作到市場的全鏈條支持。劉祎吶說：“期待這些影片能為中國電影市場注入更多能量，也期待更多國內外制片企業能落戶上海，還期待越來越多的好作品在上海誕生、成長、壯大，給行業以希望、給觀眾以力量、給城市以榮光。”

02

從“仰望工業”到“駕馭工業”

與觀眾雙向奔赴

在開幕論壇環節，萬達電影股份有限公司董事長兼總裁陳祉希表示，電影工業標準提升使制作周期從1 - 1.5年延長至3年以上，導致內容供給減少。她提出，上一代新導演的成功催生了“高追求”效應，但新一代導演的補給卻嚴重不足。“我們收到800多個青年導演劇本，最終只能選出10個進入開發，即便在短片階段，他們對敘事節奏、觀眾共情的把握仍顯生澀。”這種斷層不僅源于創作能力，更與人才培養體系的滯后密切相關。

“中國電影不缺有才華的年輕人，缺的是讓才華落地的土壤。”陳祉希表示，當行業過度關注“下一個郭帆”的出現，卻忽視了人才成長的系統性需求，終將陷入“青黃不接”的循環。唯有從教育、產業、政策多維度構建“以觀眾為中心”的培育體系，才能讓青年導演從“仰望工業”變為“駕馭工業”，為中國電影的下一個十年儲備真正的創作動能。

面對中國電影產業的結構性挑戰，大麥娛樂總裁李捷提出，需從觀眾、投資方、制作與宣發方三個維度建立危機意識與反應機制，為行業破局提供系統性思考。他認為，中國電影觀眾規模潛在可達3億至4億人，但影院觀影率未達預期的核心原因在于“影片品質未滿足期待”。春節后燈塔研究院調研數據顯示，《哪吒之魔童鬧海》等作品拉高了觀眾對優質電影的評價標準，約15%的觀眾期待提升直接導致部分影片票房不及預期。他強調，當前行業缺乏有效的觀眾信息反饋系統，尤其在與國際優質內容對比時，國產片尚未建立穩定的品質認知。

“電影不是過時的娛樂形式，而是需要用創新贏回觀眾的藝術。”他表示，當《長安三萬里》能以動畫形式承載傳統文化并斬獲高票房時，行業已證明“內容創意+技術適配”的可能性。唯有打破對“大投入、大明星”的路徑依賴，中國電影才能在觀眾審美升級與技術變革中重獲增長動能。

03

聚焦創意驅動

打破“票房唯一”困局

光線傳媒股份有限公司董事長王長田直指行業產能過剩問題：“當前上千部的年產量中，至少一半缺乏市場競爭力。”他建議將故事片產量壓縮至500 - 600部，聚焦“必看性”內容——即通過題材創新、風格突破和視聽升級，讓電影在與短視頻、游戲等娛樂形式的競爭中重獲優勢。

“《哪吒》《流浪地球》系列電影的成功證明，觀眾需要的是‘不可替代’的觀影體驗。”他以2024年票房數據為例，指出頭部10%的影片貢獻了70%的票房，而尾部影片平均票房不足千萬，這種“馬太效應”倒逼行業必須淘汰低效產能，將資源集中于類型創新與工業化制作。

王長田警示行業風險：“當前95%的收入依賴票房，遠高于美國的30%。”他以《哪吒之魔童鬧海》為例，該片衍生品銷售額預計超千億，顯露出IP開發的巨大潛力。“當《流浪地球》等作品能通過周邊產品覆蓋40%成本時，行業才能真正抵御市場波動。”

作為擁有76年歷史的國有電影企業，上海電影（集團）有限公司黨委書記、董事長王雋圍繞老牌電影企業的傳承與創新，分享了上影在全產業鏈建設、技術融合及IP生態開發等方面的實踐思路，勾勒出傳統電影企業面對產業變革的應對之策。

王雋回顧行業變遷，20多年前中國電影史上首部破億影片《生死抉擇》誕生，而如今單片票房已達百億級，未來更有望沖擊200億票房能級。這種跨越式發展讓上影思考三大命題：如何繼承前輩奠定的工業基礎、如何應對觀眾與市場的迭代、如何布局電影的未來形態。

“從1億到200億，不僅是數字增長，更是產業邏輯的重構。”她指出，上影作為“電影之城”上海的主力軍，正通過全產業鏈建設回答這些問題——既堅守內容創作的核心，又通過技術賦能與業態創新拓展邊界，形成“傳統根基+創新活力”的發展雙輪。

華策影視集團總裁傅斌星則聚焦創意驅動，她提出“用創意平衡成本”的發展理念，通過成立電影學院和技工學校構建人才培育體系，深度陪伴創作者成長。她表示，當下觀眾審美與文化需求正快速迭代，創作者需走出辦公室，深入年輕群體感知時代脈搏，以《流浪地球》系列為例，其成功印證了“硬核科技 + 情感共鳴”的創作邏輯，也為科幻類型片打開了工業化探索空間。

04

凝聚“三個不變”共識

錨定電影強國建設方向

在中國電影誕生120周年的歷史坐標上，行業需以“守正創新”的姿態應對挑戰——既要堅守內容為本的創作初心，又要在技術應用、產業模式、國際傳播等領域開拓新局。

數據顯示，第27屆上海國際電影節開幕首周票房已達4300萬元（截至6月14日），《醬園弄·懸案》作為開幕影片首創上海市500廳同步放映，標志著電影節正從專業平臺向全民文化盛事升級。

中國電影正站在新的歷史起點上，唯有以觀眾需求為導向，以技術創新為引擎，以人才培育為支撐，才能在傳承百年光影基因的基礎上，書寫從電影大國邁向電影強國的新篇章。

05

解構觀眾變遷

探索中國電影創作新范式

在論壇第二部分，陳茂賢、董潤年、黃建新、李少紅、文晏、魏書鈞等電影人齊聚一堂展開深度對話，為中國電影注入新視角的思考動能。

導演董潤年認為，當下觀眾“不再是被動接受者，而是帶著強烈主體意識的參與者”，他們通過短視頻、社交平臺等渠道構建自我表達體系，甚至將電影切片作為形成個人價值觀的討論素材。這一觀點得到與會者共鳴，數據顯示，中國觀眾日均網絡使用時間達5小時，其中短視頻消費占比超60%，這種行為模式正重塑他們對電影的期待——從單純娛樂轉向情感共鳴與社交話題的需求。

“觀眾不再滿足于被講述故事，而是渴望在電影中看到自己的影子。”導演陳茂賢以自己的作品《破·地獄》為例，透露該片在剪輯階段進行了1050份樣本的觀眾調研，根據香港等地的反饋調整了50余個版本，最終形成的敘事節奏更貼合年輕群體的認知習慣。這種“創作 - 反饋 - 迭代”的模式，打破了傳統閉門造車的創作邏輯，印證了觀眾與創作者正在形成文化共同體。

導演黃建新則關注到行業內部的矛盾：“專業電影人年均觀影量從50余部降至20余部，卻要求觀眾保持熱情，這本身就是悖論。”他強調，創作者必須主動擁抱短視頻等新媒介，“不是為了對抗，而是理解這個時代的信息傳播邏輯”。數據顯示，2024年中國電影觀眾中，35歲以下群體占比達72%，他們成長于互聯網環境，對視聽語言的節奏、主題表達的深度都提出了更高要求。

06

創作突圍路徑：

技術賦能與人文堅守的平衡

導演李少紅以多年創作經歷為脈絡，深刻剖析了技術迭代與觀眾變遷對電影創作的重塑。面對短視頻對觀眾注意力的重構，她以王朔為例——這位作家曾熬夜刷短視頻8小時，既焦慮又依賴，“這揭示了短視頻已成為創作者了解世界的窗口，而非對立的敵人”。

“刷短視頻不是消遣，而是在尋找與觀眾的共情點。”李少紅指出，當她在抖音觀察到某條鄉村生活視頻獲百萬點贊時，意識到“真實的情感共鳴比華麗的視聽更重要”，這直接影響了她后續作品對現實主義題材的處理方式。

“90年代我們擔心數字技術毀了電影，如今看來它只是讓電影多了一副翅膀。”李少紅總結，當創作者能像接納數字攝像機一樣接納AI，像研究劇本一樣研究短視頻，中國電影將在技術變革中迎來新的創作黃金期。這種開放與堅守并存的態度，或許正是破解當下創作困境的關鍵。

但技術之外，人文內核仍是創作的基石。導演董潤年在創作聚焦打工人群體的《年會不能停》時，深入工廠生活半年，“站在他們中間講故事，而不是居高臨下的觀察”。這種沉浸式創作讓影片收獲了目標觀眾的強烈共鳴，印證了黃建新的觀點：“好電影能跨越代際與階層，關鍵在于創作者是否足夠誠實。”

導演文晏以“時間加速度”為切入點，深刻剖析了技術迭代與觀眾心理變遷對電影創作的重塑。她強調，在變革頻率從“幾年一變”到“幾月一變”的當下，創作者必須打破傳統思維，以更開放的姿態擁抱觀眾的主體參與，在類型創新與主題表達中找到與年輕世代的對話支點。

07

將市場洞察內化為創作基因

青年導演魏書鈞從創作者與觀眾雙重視角切入，深刻剖析了“觀眾主體意識覺醒”對電影創作的顛覆性影響。他強調，當觀眾從“儀式感消費”轉向“情感共鳴與社交表達”，創作者必須重新定義題材選擇與市場宣發的邊界，在藝術表達與觀眾連接之間尋找動態平衡點。

在魏書鈞看來，當下觀眾正經歷從“觀影儀式化”到“參與主體化”的轉變：“過去觀眾走進影院是為了體驗‘銀幕奇觀’，現在他們更期待電影成為表達自我態度的社交貨幣。”

“觀眾主體意識覺醒不是創作的束縛，而是新的可能性，”他總結，“當我們把‘與觀眾對話’作為創作起點而非終點，電影就能從單向輸出的藝術品，變為連接時代情緒的文化節點。”這種將市場洞察內化為創作基因的思路，或許為青年導演在商業與藝術之間尋找平衡提供了新的思考維度。

文/趙 麗

編輯/梅 紫

責編/杜思夢

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