近日，《書之肖像》郁濤個展在北京798藝術區橋藝術空間開幕，展期為2025年4月27日至5月25日。展覽由橋藝術空間主辦，夏可君擔任策展人，展出了藝術家郁濤近十年的19件代表作品。

展覽現場

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展覽現場

展覽現場

本次展覽以“書之肖像”為主題，探索書本在人為與自然作用下的新形態，呈現其作為時間與生命載體的另一面。郁濤的創作讓我們重新審視書本的“本來面目”。

藝術家郁濤

展覽現場，小編采訪了藝術家郁濤先生。他從創作歷程、材料選擇以及作品解讀等多個角度，分享了對“書之肖像”系列作品的深刻思考與獨特感悟。

十年探索從裁一本書開始 反思“為什么要做藝術”

本次藝術家郁濤展出的作品跨度時間比較長，從2015年到2025年整整跨越了十年。郁濤表示，這十年來，他發現所有的創作緣起都是從裁切一本書開始的。從2015年的“畫書”，到如今的“書之肖像”，這十年里，他一直在探索兩個核心問題。

第一、是對繪畫、對藝術本質的追問。2015年，他寫過一篇文章《畫、繪畫與物品》，探討了一個很本體的問題：什么樣的物品，當它掛在墻上時，才能被稱為“畫”？這種對繪畫和藝術本質的思考，一直延續到現在。

第二、從2010年開始，他一直在反思“為什么要做藝術”。這十年里，他通過創作作品來尋找答案。他給自己做藝術的定位是“造器證道”，把藝術對象當作物品、當作器物來看待。他把“畫”當作一個可“看”的器物，它可以上手把玩，但又不一定非得實用。這種對藝術的思考和實踐，貫穿了郁濤這十年的整個創作歷程。

時間與生命的既視感 時間與物質的交織

站在藝術家郁濤的作品前，仿佛被一股無形的力量吸引。每件作品都像是時間的容器，承載著歲月的痕跡與生命的密碼。它們不僅僅是靜止的畫面，更像是一個個生動的故事，通過獨特的視覺語言，向我們訴說著它們背后那些隱秘而深刻的故事。這種直觀的時間痕跡，讓小編不禁思考：藝術家是如何捕捉并表達時間的？

郁濤解釋道，他的作品確實與時間緊密相連。時間不僅是物質存在的一種方式，更是物質存在的一種本質屬性。當我們度量物質時，時間是一個非常重要的刻度。物質的自然變化，正是時間賦予其意義的關鍵，而他的創作也在這一過程中實現“再生長”。世界在不斷變化，物質也在不斷衰變，但衰變只是另一種形式的轉化。在這個過程中，不同的環境、文化背景和觀念賦予了物質不同的解讀。

郁濤進一步講述：“我所做的，就是將生活中與我有關聯的元素，以作品或其他的形式保存下來。藝術與生活的邊界并不是絕對的。我們在不同的系統中觀察和理解這些物品，也可以將不同系統中的元素進行重構。這個過程本身就是一種理念的體現。”

這些作品不僅是視覺上的呈現，更是時間與生命的見證。它們讓我們看到了自然的力量，也讓我們重新思考藝術與生活的邊界。通過這些作品，郁濤不僅捕捉了時間的痕跡，更讓我們感受到了生命的溫度。

《書之肖像》：書本選擇背后的深意

在本次《書之肖像》郁濤個展中，幾乎每一幅作品都以書本為核心元素。在創作初期，郁濤在書本選擇方面到底有怎么樣的標準和獨特的考量？他提到，選書主要基于兩個方面：

一是書的內容性質。郁濤偏好具有規則性或權威性的書籍，如大學生手冊、新華字典和經典著作，這些書象征著權威與標準，借此引發觀眾對知識與權威的重新審視。

二是書的使用痕跡。他多選用舊書，這些書帶著使用者的氣息與歷史感，“一本書，從它出生到我遇上它，它有過什么跌宕起伏的過往，它的變化與省耗，容顏變遷，都會讓我著迷，我做的是書的‘肖像’”。

《民法學》56cm×78cm木質框、鋁塑板、書冊、礦物質顏料、灰塵2015年

陽光、木屑與灰塵：藝術的偶然與必然

展覽現場展出的幾件作品中，都有一層毛茸茸的顆粒感的肌理，還有一些其他的材料，讓這些作品充滿了質感和層次感。

郁濤介紹，這件《民法學》作品是從2015年開始創作的。這件作品上面呈現的顆粒感，是在創作過程中偶然發現的。他將工作室旁木工車間的木屑以及灰塵加入作品中，這些材料觸手可及，他覺得它們很適合這件作品，能自然融入其中。同時，他為這本書搭建了一個“基底”。這不僅僅是一個簡單的支撐，更是為這本書開辟了一個專屬的空間，讓書本與自然環境產生對話，共同生長。

《西方現代舞史綱》56cm×78cm木質框、鋁塑板、書冊、礦物質顏料、灰塵

2015年

彩色的探索與畫框的意義

展廳中，幾件色彩鮮艷的作品在灰暗色調的空間中格外突出。郁濤介紹，這些作品創作于2017年至2019年，歷時近三年完成。當時，他發現自己以前的作品大多色調灰暗，于是決定嘗試創作一些明亮、生動的彩色作品。這批作品約有二三十件，他依然使用礦物質顏料，通過篩子將顏料篩在作品表面，再用膠固定，形成顆粒感的視覺效果。這種顆粒與光源的折射效果，讓作品在不同光線下展現出豐富的質感和微妙的變化。

同時，郁濤希望通過加上外框，讓作品更像一幅畫。他選擇了油畫常用的西式畫框，雖然畫框在美術史中有豐富意義，但他只是想將實物與“基底”整合成一個整體，增強作品的完整性，讓它看起來更像一幅畫。

《大會文件匯編》62×72cm木質畫框、PVC板、書冊、書頁、礦物質顏料

2017-2019年

自然的重塑與平等的對話

小編發現展覽現場一件名為《大會文件匯編》的作品，與其他灰色調的作品不同，這件作品整體呈現出一種獨特的孔雀石色，仿佛青銅器上的藍綠色銹跡，既美麗又透出一絲頹廢感。作品的正中心是一本被裁切后略帶破碎且有凹陷的書本，宛如歲月的痕跡，訴說著它所經歷的風雨和陽光。這種獨特的美感是如何形成的？這件作品在創作過程中又經歷了什么？

郁濤說：“這件《大會文件匯編》作品是2017到2019年創作的，我將這件作品放置在戶外一年多，經歷了南方頻繁的雨水沖刷。書本中間的凹陷，正是屋檐下的雨滴長期砸落形成的坑洼效果。這種自然的塑形過程是無法預設的，但我相信，把作品交給大自然時，它會與自然找到一種獨特的默契。早在2015年，我就意識到將作品交給自然的過程非常有趣，這對我的創作至關重要。當我不再控制作品，而是讓它與環境自然互動時，它會生長出獨特的形態。這種平等的關系讓我反思我們對待人、事、物的態度。學會了以非人類中心的態度去面對外物，讓作品與自然進行對話，而不是單方面地塑造它。這種自然、非刻意的過程，讓我覺得非常有意思”。

紙與自然的對話：從戶外到藝術的蛻變

材料是藝術創作的基礎，是藝術家表達思想和情感的載體。它不僅決定了作品的物理形態，更深刻影響著作品的視覺效果、情感傳達和文化內涵。

在談到藝術創作中的材料選擇和運用時，郁濤表示，他最著迷于紙與水接觸后的變化。大學學習國畫的經歷讓他深知宣紙遇水后的獨特性，這種紙與水的關系成為他將書本置于戶外接受自然洗禮的起點。他認為，紙在自然條件下的變化是一種“重新生長”。

最初，他嘗試自己用噴壺進行噴水，但后來覺得應該讓大自然去“加工”，于是開始以月為單位創作，讓時間去塑造。當作品初具形態后，他發現自己介入過多，于是嘗試將作品放入水塘、埋進土里，讓大自然去塑造。他希望減少自己的介入，讓作品自然生長，最終賦予作品自己的生命，與作品保持平等的關系。

這一過程也與他的生活經歷有關。他的創作跨越了十年，從2015年開始，經歷了陪孩子讀書、疫情爆發等。這些經歷讓他學會如何與面對的對象保持相對獨立的關系，這也是他從創作中學到的道理。

《必修課》67×57cm木質畫框、PVC板、書冊、書頁、馬賽克鑲嵌、植物根莖、自然風化物2020-2024年

大自然的鬼斧神工：作品的共生與生長

郁濤將部分作品埋在土里、泡在水里，讓大自然改變它們的形態。其中，《必修課》這件作品表面長滿了藤蔓，夾雜著泥土，宛如剛從土里鉆出的“活物”一樣，正在注視我們。

郁濤說：“我把作品交給大自然，就像是把作品送進了一個巨大的實驗室。它們在土里、水里等不同的環境下經歷了四季的更替，被雨水沖刷，被蟲子啃食，甚至被植物纏繞。每一次的變化都是不可預知的，每一次結果也都是獨一無二的。”

以2020-2024年創作的《必修課》為例，郁濤將其埋在岳麓山的土里一年多。一年后，作品上方長出了喜陰的小藤，為作品增加了新的空間層次。這種自然塑造過程無法預設，也無法人為制造，大自然的鬼斧神工令人驚嘆。

《學習綱要》66×56cm木質畫框、PVC板、書冊、書頁、馬賽克鑲嵌、植物根莖

自然風化物2020-2024年

郁濤進一步解釋：“這件作品中的書本和畫框是現代工業的產物，讓它們與大自然結合，重新生長。這讓我思考，所有工業品最終都會回歸自然，我只是讓它們提前回到最初的狀態。在這件作品中，不僅是植物在發揮作用，像蚯蚓、其他蟲子也參與其中。這種現象讓我意識到，作品與環境之間形成了共生關系。作品本身不僅滋養了周圍的生物，這些生物也賦予了作品新的形態，改變了它原有的樣貌。這種改變的過程，也是作品本身的一種‘再生長’的體現。”

《無名書9號》65×52cm書冊、石膏混合物2020-2024年

石膏與自然的共生：藝術的覺醒與自愈

展覽現場的其中一個展廳里，有幾件被放置在展臺上的作品，鐵銹色的書本與乳白色的畫框相互映襯，形成了一種強烈的視覺對比。作品的整體表面呈現出類似石頭的質感，仿佛是剛剛從土里挖出的“化石”，堅硬又殘破。這種獨特的質感和色彩搭配，讓整個作品散發出一種古老而神秘的氣息。它們到底是什么材質？又是在怎么樣的環境中被塑造出的？

郁濤表示，2020年創作這批作品時，他受到隔壁雕塑工作室常用材料——石膏的啟發。石膏粉末由石膏礦石磨制而成，加水后又能重新凝結成石頭，這種可循環的特性讓它成為一種“活的材料”。它既不特別堅韌，也不松散，表面處理后有一種獨特的溫度。這種材料的特性讓郁濤產生了濃厚的興趣。

在創作過程中，郁濤將畫框翻制成石膏畫框，并把裁好的書直接鑲嵌進濕的石膏里。工作室里隨手可得的雜物，如鐵釘、馬賽克殘片，也被他放進去。他沒有刻意設計，他認為所有東西的意義都是我們此時此刻賦予的，意義是會變化的。他放棄了對意義的追尋，只是把它們當作生長在自己環境里的東西，偶然地放在一起，形成了新的關聯。

《無名書11號》69×57cm書冊、石膏混合物2020-2024年

《無名書17號》65×52cm書冊、石膏混合物2020-2024年

最后，他將這些作品放入南方的小水塘中，經過一年多的風雨沖刷，原本規整的畫框變得坑坑洼洼。這種變化是作品與環境互動的結果，讓郁濤感受到一種歷史感。疫情期間，他每周都會去查看這些作品，四季更替中，作品也在悄然變化。這種變化讓他在創作過程中覺醒，藝術不再是為了表達某種意義，而是通過作品發現自我，實現內心的安定。

郁濤說：“藝術對我而言是一種覺醒的方式，每一批作品都帶來新奇與驚喜，讓我感受到創作的快樂。這種過程本身就是一種自愈，讓我內心充盈。藝術的意義或許就在于它與個人之間的緊密聯系，讓身心得以安定，回歸本源。”

藝術家郁濤利用身邊“物體”與大自然的互動，讓我對藝術有了新的理解。郁濤的作品不再是單純的創作，而是與大自然共生的一個過程。藝術作品也不再是一個人的產物，而是大自然和藝術家共同完成的一個再生長、再塑造的過程。這種共生關系，讓我們看到了藝術的無限可能性，也讓我們更加敬畏自然的力量。（作者/羅麗娟）