華語樂壇洗腦神曲又雙叒叕更新了。

　　先是有憋佬仔的《八方來財》，現在又來了個《大展宏圖》。

　　歌詞里堆砌著“財源廣進”“步步高升”，旋律仿佛由電子木魚和賽博銅錢聲合成。

　　歌詞直白、旋律簡單、節奏魔性。

　　這些被稱為“洗腦神曲”的作品，正以流水線式的速度更新換代，成為互聯網時代華語樂壇的“新頂流”。

　　樂壇正在批量生產洗腦歌？

　　要說這些歌有多火呢？

　　這個主唱已經超過周杰倫了。

　　在這之前誰能想到，在Spotify超越周杰倫的會是一個說唱歌手。

　　早期的《小蘋果》《最炫民族風》至少還在歌頌愛情或生活，如今的《大展宏圖》卻直奔主題.

　　用簡單粗暴的吉利話和重復鼓點，精準狙擊人們對“暴富”的集體渴望。

　　《大展宏圖》是怎么洗腦大家的？

　　無外乎這幾個點。

　　首先是他的鼓點非常魔性。

　　簡單、重復、高頻，像一臺永動機般在耳邊循環敲打。

　　這種節奏設計直接觸發人類的“聽覺本能”，讓人不自覺地抖腿、點頭。

　　甚至產生“聽多了頭疼但停不下來”的戒斷反應。

　　其次加入了中國風的元素，一直在循環一個節奏。

　　最直觀的感受就是聽完上句就能哼出下句，剛高潮就猜到了結尾。

　　旋律重復到“聽一遍就刻進DNA”。

　　這種混搭看似違和，卻恰好戳中大眾對“傳統吉祥話”的集體無意識。

　　更不要說那洗腦的歌詞了。

　　“大展宏圖！財源廣進！”

　　歌詞宛如春節對聯的Ctrl+C/V，用最直白的口號完成最粗暴的洗腦。

　　吉祥話的天然親和力讓聽眾自動降低審美防線。

　　音樂不再需要復雜的藝術性，只需要一個足夠“抓耳”的片段。

　　不是說這些歌不好，但你至少無法用旋律感強來形容它們，就算有旋律，也沒有把旋律用作強有力的表達工具。

　　盡管業內對“洗腦神曲”褒貶不一，但不可否認，它們占據了大眾娛樂的真空地帶。

　　你可能會說，這種歌的風格就是如此，本身就不應該有旋律。

　　但這正是我想提出的問題——

　　旋律過時了嗎？

　　洗腦歌為什么拋棄旋律？

　　其實流行音樂并不總是缺少旋律，但某個時間點，流行樂發現了hook的強大，以及重復 hook 的洗腦性。

　　Hook 本意是鉤子，在音樂中指的是一首歌特別能勾住人的地方，一聽到就讓人特別洗腦，能夠一下達到爽點。

　　寫一首好歌是非常耗時間的，但是 hook 不一樣，它的投入產出比極高。

　　它不講究這首歌作為一個音樂作品有多好，而是只要有一個能抓住注意力的 hook，就是一首成功的曲子。

　　尤其是在今天，時間被壓縮，短小的 hook 比長的 chorus 更靈活，更利于病毒傳播。

　　舉個例子，《Seven Nation Army》。

　　這首歌就是一個簡單的吉他 hook，用一個效果器讓吉他的音域變得很低，聽起來像貝斯。

　　本來這是樂隊 The White Stripes 的歌，但因為這個hook，它就火了，變成球場chant。

　　所以現在的創作者都是按照這個標準去創作。

　　像《愛情買賣》《你牛什么牛》，它們一定是四四拍，不會使用切分音、三連音這種節奏難度相對較高的律動來處理音符，基本全程都是四分音符、兩個八分音符這樣的組合，連十六分音符都極少涉及，且大多在第一拍進入。

　　這兩首歌的核心動機都是1、3、6這三個6級小調音組成

　　《小蘋果》就更簡單了，僅靠四分音符+八分音符便完成了整首歌，而且每個段落都是正拍進入：

　　而且旋律使用1-3個音很容易讓人跟唱，這就能引發全民效應。

　　流行歌是需要大眾性的，去旋律化的樂句可以很輕松達到這個目標。

　　就拿《最炫民族風》來說。

　　最低音（藍色）和最高音（紅色）之間，是11度。音程變化除了個別幾處用到三度以上的變化（黃色），主要以二、三度的小跨度常規變化為主：

　　這些都是為傳唱服務的。

　　因為對于沒有聲樂基礎的人來說，舒適音域大概是10-13度左右。

　　所以如果要設計一首全民傳唱的爆款神曲，音域跨度就不能超過這個范圍，否則可能就會有高音唱不上去、低音低不下來的尷尬，阻礙傳播。

　　而且音程也要盡量單一，不能按級進+跳進那么設計，想想看，一句二、三度小范圍變化的旋律，突然來個五度大跳，一般人會很難適應。

　　而且目前的音樂趨勢也是節奏取代旋律成為核心。

　　音樂的組成元素包括旋律、節奏、和聲。

　　雖然從理論上看旋律的組合是無限的，但好聽的旋律組合卻是有限的。

　　比如 4 這個音，就很難用在開頭，有的話大部分也是下行接 3，這是由這個音的性質決定的。

　　至于#1、3?、#4、#5、7?這幾個音，基本不可能拿來開頭。因為就不好聽，很難展開去寫旋律。

　　可能在爵士里我們會追求不和諧感，但對于流行音樂來說，順耳度是很重要的，經過這么多年的發展，很多好的旋律已經被前人寫完了，后人再想創作出經典的旋律是很困難的。

　　這就是為什么我們總能聽到一些很像的旋律。

　　在這種情況下，音樂人就轉向了節奏。

　　因為相比于和弦和旋律，節奏更能彰顯個人風格。

　　就像五條人，他們喜歡用密集的節奏，以及短促的切分、延音、連音等等，讓旋律產生一種似說似唱的感覺。

　　對比一下伍佰版和五條人版的《Last Dance》，就會非常明顯。

　　伍佰的原版，都是節奏均勻的八分音符，很平穩：

　　而五條人版的，將節奏切分成十六分音符，更有舞的律動感：

　　一首歌的空間是有限的，如果中心讓步給了節奏，旋律自然就少了。

　　尤其是像 Billie 這種，本身的節拍就是不規則的，這時候如果主旋律寫的特別復雜，就很容易跟節奏打架。

　　洗腦神曲不在乎創作人？

　　并不是說去旋律化不好，每個時代都有自己的風向標，只是在這個只靠 hook 和 beat 的時代，我們的音樂越來越單一。

　　而且我們會越來越不在乎歌手是誰。

　　雖然聽眾才是歌曲好壞的評審官，但是對于音樂公司來說，這種方式是有風險的。

　　因為把一個歌手從幕后推到舞臺上的花費已經高出天際，靠聽眾決定歌手的好壞，就像是賭博，他們可能會血本無歸。

　　與其找一個有才華的歌手，還不如找張年輕漂亮的臉，然后通過曝光效應像洗腦一樣的強迫觀眾喜歡他們，這樣才能降低財務上的風險。

　　?曝光效應?指的是人們會喜歡上經常看到或者聽到的東西。

　　所以相比于演唱，你會看到他們更頻繁地出現在影視劇和各種綜藝上，娛樂公司花了大筆的錢，確保這些人出現在每一個地方，你根本沒有辦法逃離魔掌。

　　音樂制作方式的轉變也加速了歌紅人不紅的現象。

　　這一點在偶像歌手身上最為明顯，尤其是韓國，他們的作曲策略就是群體作戰。

　　制作公司不會花錢買 beat，他們直接把看上的 beatmaker“加進群聊”，一起組成制作 camp。

　　2NE1和Will.I.AM

　　Wiil.I.Am是黑眼豆豆創始人，手握7座格萊美

　　就像少女時代的《I Got A Boy》，光是詞曲欄就有36個名字，制作人欄也有15個，而且這些人的國籍幾乎覆蓋了半個地球。

　　這種合作模式是將所有音樂人的想法都融合在一起，每一個人專注于自己擅長的那部分。

　　所以你會在一首歌里聽到很多音樂元素，這是非常新奇的體驗。

　　比如《I Got A Boy》就包含Hip-hop，Pop Rock，EDM，Bubblegum Pop和現代R&B五種風格。

　　不僅在billboard美國區拿下冠軍，還連番被時代雜志和滾石雜志安排了封面，甚至還被B榜官網評選為“定義了十年的歌曲”。

　　在這種情況下，制作公司當然不會在乎歌手是誰，因為這首歌一定會火。

　　至于演繹者，誰都無所謂，反正公司肯定能賺到錢。

　　在今天，音樂的功能也變了，它是 BGM 而非獨立的作品。

　　很多時候音樂是作為影視劇和游戲的配樂出現的，是那些更綜合的藝術形式中的一環，也就是說它越來越需要一個場景。

　　這個變化不僅會影響創作，也會改變歌曲生產的方式。

　　因為適用場景越百搭的歌才越容易火，而這種歌一般都比較口水。

　　歌曲分發方式的改變也讓好歌更難被人們找到了。

　　過去的發歌成本很高，從詞曲創作到前期宣傳、渠道分發，每一步都花費不菲，聽眾也是真金白銀地買唱片，而且都是線下渠道，成本更高。

　　高成本的支持自然會期待高質量的回報，這本身就是一種監督和制約。

　　但現在各種技術的出現讓出歌成本變低了，每個人都能做歌，還可以免費發布在任何平臺。

　　這些歌也不用收費，聽眾的支持成本很低，所以歌曲的質量不用太高，旋律也不需要多復雜，只要還可以，就能火。

　　就算難聽也不會被罵的很慘，直接退出就行。

　　久而久之，創作和聽眾就陷入了死循環。

　　于是，手機里的音樂還是那些老歌，聽了一遍又一遍，然后翹首以盼地等待十年前的老將們發歌。